JUDY GARLAND

Judy Garland à l’instar d’un James Dean ou d’une Marilyn Monroe, est entrée trop tôt dans la légende du cinéma. Personnalité fragile et dépressive, elle n a pas pu surmonter les profondes crises qui entraînèrent sa fin prématurée.

Par sa carrière exceptionnelle commencée dès sa plus tendre enfance aussi bien que par sa mort précoce, à quarante-sept ans à peine, Judy Garland est devenue un mythe du monde du spectacle. Perfectionniste et tourmentée, elle fut la victime de son propre succès, payant de sa santé et, pour finir, de sa vie l’adulation qu’elle suscita. Sans la moindre pitié. elle fut, toute sa vie durant, jetée en pâture au public avide de tout savoir sur elle.

Un talent précoce

Judy Garland, de son vrai nom Frances Gumm, naquit à Grand Rapids, dans le Minnesota, le 10 juin 1922. Ses parents, Frank et Ethel Gumm, avaient été acteurs de variétés avant de devenir exploitants d’une salle de cinéma. C’est peut-être pour réaliser, à travers ses enfants, ses ambitions déçues que la mère de Judy organisa avec ses deux filles aînées un spectacle qui servait d’attraction entre les deux films au programme. Comme le veut la légende, Baby Gumm (c’est ainsi qu’on avait baptisé Frances, la plus jeune et la plus choyée des enfants) débuta à l’âge de trois ans, soulevant l’enthousiasme du public par son interprétation de « Jingle Bells ». A onze ans, Baby Gumm changea de nom. Les deux sœurs, en effet, engagées pour un spectacle à Chicago, se laissèrent convaincre par le présentateur George Jessel d’adopter le nom de Garland qui, selon lui, sonnait beaucoup mieux que Gumm. Un peu plus tard, Frances adopta le prénom de « Judy », emprunté à une chanson à succès de Hoagy Carmichael.

Pour faire entrer ses filles dans le monde du cinéma, Mme Gumm n’avait pas ménagé sa peine. Pourtant, en 1929, tout ce qu’elle avait pu obtenir, c était de les voir apparaître dans un court métrage intitulé : The Old Lady and the Shoe.

L’engagement à la MGM

En 1934, cependant, Judy Garland avait été pourvue d’un agent, Al Rosen, et comptait un admirateur, au moins, au sein de la MGM, en la personne de Joseph Mankiewicz. L’un et l’autre réussirent à lui obtenir une audition. Judy fut paraît-il convoquée séance tenante et il n’est pas douteux que cette invitation impromptue stimula la vivacité et la spontanéité de la petite fille. Elle frappa d’ailleurs à tel point Ida Koverman, l’influente secrétaire de Louis B. Mayer, et Jack Robbins, le talent-scout de la firme, qu’ils rappelèrent immédiatement le pianiste du studio, Roger Edens et Mayer lui-même, qui lui offrit un contrat sans lui faire faire le moindre bout d’essai, ce qui constitue un fait sans précédent !

Les jours de Judy à la MGM commencèrent sous de tristes auspices avec la mort soudaine de son père. En dépit de ce deuil, Judy qualifiera plus tard cette période de « perpétuel éclat de rire ». Les lois sur le travail des mineurs imposant aux firmes qui les employaient de pourvoir à leur instruction, Judy rejoignit sur les bancs de classe Lana Turner, Jackie Cooper, Deanna Durbin et Freddie Bartholomew. Ses premières apparitions à l’écran remontent à cette époque ; elle donna la réplique à Deanna Durbin dans le court métrage Every Sunday (1936) et la même année, dans Pigskin Parade, un musical ayant pour cadre un collège où trois chansons chantées par Judy Garland lui valurent quelques critiques favorables.

La MGM n’avait pas de projets très précis pour elle. On doit à Roger Edens d’avoir mis sur pied le plan qui permit à la grande compagnie de réaliser enfin quelle mine d’or Judy pourrait représenter pour elle : pour la party que donna Clark Gable sur le plateau de Parnell (La Vie privée du tribun, 1937) à l’occasion de son trente-sixième anniversaire, Edens conçut une version spéciale de « You Made Me Love You » confiant à Judy Garland le rôle d’une fidèle admiratrice écrivant à son idole, prétexte au délicieux monologue « Dear Mister Gable », Clark Gable fut profondément touché et la MGM inséra immédiatement ce numéro dans Broadway Melody of 1938 (Règne de la joie, 1937) : Judy Garland était lancée !

Judy joua ensuite dans Thoroughbreds Don’t Cry (1937) partageant la vedette avec Mickey Rooney (ils devinrent dès lors de très bons amis) puis dans Listen, Darling (1938) avec Freddie Bartholomew. Dans Everybody Sing (1937), elle apparut au côté de Fanny Brice, la grande vedette de Broadway.

Dans tous ces films, Judy Garland chantait et le public se laissait prendre par le charme de sa voix dont l’étendue, la force et la maturité lui permettaient d’interpréter de grands morceaux du répertoire, comme « My Man » de Fanny Brice. Toutefois, les directeurs musicaux de la MGM, où déjà Arthur Freed était d’un grand poids, préférèrent exploiter son humour et sa vivacité dans des chansons du genre « Swing, Mr. Mendelssohn » et « Zing Went the Strings of My Heart ». Elle retrouva ensuite Mickey Rooney avec lequel elle tourna trois films de la série Andy Hardy.

La grande occasion

C’est d’ailleurs au cours de ces années que l’occasion lui fut offerte de s’affirmer définitivement et de lier son nom à une chanson qui deviendra, tout au long de sa carrière, son grand cheval de bataille : « Over the Rainbow ». En 1900, la collection de livres pour enfants « Oz », écrits par L. Frank, apparut sur le marché où elle fit rapidement partie des best-sellers. En 1925, le cinéma s’en empara, tournant une version muette de « The Wizard of Oz » avec Larry Semon et Oliver Hardy. La MGM était disposée à engager deux millions de dollars pour réaliser une nouvelle version en couleurs avec Shirley Temple pour vedette mais celle-ci, indisponible, fut alors remplacée par Judy Garland. Après quelques difficultés et hésitations sur le choix du metteur en scène, Victor Fleming se vit confier la réalisation du film : il fut tourné en 1939, la même- année que Gone With the Wind (Autant en emporte le vent). Grâce à son scénario intelligent, aux excellents effets techniques et à l’interprétation de premier ordre, The Wizard of Oz (Le Magicien d’Oz) fut une réussite totale et, surtout, le premier grand succès personnel pour Judy.

Le public l’aimait énormément pour sa gaîté, son entrain, sa spontanéité et sa nature attachante. Toutefois, sa vie privée était troublée par l’extrême tension à laquelle la toute jeune actrice était soumise. Son irrésistible joie de vivre se manifestait également par un robuste appétit. Mais son métier exigeait un sévère contrôle de sa ligne et c’est à contrecœur qu’elle dut se soumettre aux prescriptions de Mayer qui veillait personnellement à son régime. Judy découvrit en outre que même sa vie privée était placée sous contrôle et que l’ami fidèle avec lequel elle était allée vivre dans un petit appartement était payé par la firme pour l’espionner et rendre compte de chacun de ses gestes ! Il en allait d’ailleurs de même avec sa mère.

Pour combattre son irrésistible appétit, on lui administra un nouveau médicament alors en vogue, la benzédrine, dont les effets euphorisants étaient combattus à l’aide de somnifères. Cette lamentable « thérapie » engendra une « dépendance » qui fut le cauchemar de sa vie et entraîna sa mort tragique.

Le public en avait fait son idole, et la MGM l’exploita à fond, sans le moindre ménagement. Dès lors Judy n’allait plus cesser de payer le tribut de son succès, toute vie privée devenant impossible. Mayer et la MGM ne cachèrent d’ailleurs même pas leur déception quand, en 1941, elle épousa le chef d’orchestre David Rose et de toute évidence ne firent rien pour sauver l’inévitable faillite de son mariage. .

Au cours des trois années qui suivirent, Judy Garland tourna plusieurs comédies musicales à succès : Ziegfeld Girl (La Danseuse des Folies Ziegfeld, 1941), For me and my gal (Pour moi et ma mie, 1942), Presenting Lily Mars (Lily Mars, vedette) et Thousands Cheer (La Parade aux étoiles), l’un et l’autre de 1943.

Meet Me in St. Louis (Le Chant du Missouri), réalisé en, 1944 demeure aujourd’hui encore, la plus séduisante comédie musicale de la MGM. Dans ce film, outre. ses inoubliables chansons, Judy Garland apporte la preuve d’un talent dramatique qui s’est alors affirmé avec force, et s’intègre parfaitement dans l’interprétation évoquant une famille américaine du début du siècle.

Le réalisateur de Meet Me in St. Louis était Vincente Minnelli que Judy épousait au mois de juillet 1945 avec, cette fois, l’approbation unanime de la MGM (Liza, leur fille, naîtra l’année suivante mais l’accouchement ne fera qu’aggraver l’état de santé de Judy). Cette même année, Minnelli la dirigea dans The Clock (L’Horloge) ; c’était la première fois que l’actrice abandonnait la comédie musicale, puis dans un bref épisode de Ziegfeld Folies (1946) et dans The Pirate (1948) dont le premier rôle masculin revenait au jeune Gene Kelly.

Vers la névrose

Malgré la fatigue de plus en plus évidente de Judy, la MGM se montra peu compréhensive avec sa vedette, acceptant très mal son état de santé, son manque de ponctualité, ses absences répétées et ses constantes sautes d’humeur. Elle tomba malade pendant la tournage du Pirate et dut être hospitalisée dès la fin du tournage. La MGM mit à son programme une autre comédie musicale Easter Parade (Parade du printemps, 1948) conçue pour le couple Garland-Kelly mais ce dernier, indisponible à la suite d’un accident, fut remplacé par Fred Astaire. Tourné dans la bonne humeur, ce film fut un répit pour Judy ; elle devait d’ailleurs retrouver Fred Astaire pour The Barkleys of Broadway (Entrons dans la danse, 1949) mais sa santé à nouveau chancelante l’en empêcha. L’interruption fut de courte durée, cependant, puisqu’elle devait tourner encore Words and Music (Ma vie est une chanson, 1948), biographie musicale des compositeurs Rodgers et Hart ainsi que In the good old summertime (Amour poste restante, 1949), un remake de The Shop around the corner (Rendez-vous, 1940). Au comble de
l’épuisement, elle réussit encore à enregistrer quelques chansons pour Annie Get Your Gun (Annie, reine du cirque), mais elle fut remplacée au moment de tourner le film parce qu’il n’était désormais plus possible de compter sur elle.

Non sans peine, elle réussit à terminer Summer Stock (La Jolie Fermière, 1950). Elle y apparut épaissie mais au prix de terribles efforts parvint à retrouver sa ligne et son allant pour l’éblouissant numéro final : « Get Happy ». On recourut ensuite à elle pour remplacer une autre vedette, June Allyson qui attendait un enfant et ne pouvait par conséquent tourner Royal Wedding (Mariage royal, 1951). Judy eut le temps d’enregistrer les chansons puis elle retomba malade et la MGM renonça à l’utiliser. Ses rapports avec la grande firme cinématographique qui, depuis sa quatorzième année, lui avait servi de famille, prenaient fin.

Les quatre années qui suivirent la virent entreprendre une nouvelle carrière dans la chanson et le spectacle de variétés. Le 9 avril 1951, elle inaugurait la saison au Palladium de Londres et s’engageait au mois d’octobre suivant pour un programme de dix-neuf semaines au Palace de New York qui appartient maintenant à l’histoire de la comédie musicale. Une fois de plus, malheureusement, l’effort qu’elle dut soutenir eut raison de sa santé et l’obligea à renoncer à plusieurs représentations.

Divorcée de Vincente Minnelli, Judy Garland épousa Sidney Luft (deux enfants, Lorna et Joey naquirent de cette nouvelle union) avec lequel elle fonda une maison de production : la Transcorna. Pour la Warner, la Transcorna réalisa A Star Is Born (Une étoile est née, 1951). Réalisé par George Cukor, metteur en scène de grande classe et de goût qui savait parfaitement tenir compte des qualités artistiques et des problèmes de Judy, le film fut hélas « trafiqué » par la compagnie qui pratiqua d’abondantes coupures pour les remplacer par des éléments nouveaux (dont, entre autres, le mémorable numéro intitulé « Born in a Trunk »). Le film était le remake de A Star Is Born dirigé en 1936 par William Wellman. Avec Hollywood pour toile de fond, il avait été interprété par Janet Gaynor dans le rôle d’une jeune inconnue qui devient vedette après avoir été découverte. par une ancienne idole de l’écran sur le déclin (Fredric March), rôle repris par James Mason dans la nouvelle version. Entre les mains de George Cukor, l’histoire acquit une nouvelle dimension dans la mesure où elle se prêtait à l’évocation des dures expériences de Judy Garland dans le milieu hollywoodien. Le film consacra d’ailleurs, officiellement, le talent dramatique de l’actrice.

Il mit également un terme à sa carrière cinématographique. Judy Garland fit une nouvelle fois une mémorable apparition dans Judgement at Nuremberg (Procès à Nuremberg, 1961) de Stanley Kramer et elle participa également à A Child is waiting (Un enfant attend, 1963), un film passionnant traitant des problèmes des enfants arriérés. La même année elle avait tourné à Londres I Could Go on Singing (L’Ombre du passé) de Ronald Neame : un mélodrame sans prétentions avec quelques numéros musicaux, dont le thème principal était le combat que se livrent une étoile du chant et son mari (Dirk Bogarde) pour la garde des enfants (une histoire très proche, d’ailleurs, de la réalité !)

Dès lors, Judy Garland se consacra exclusivement aux concerts, suscitant toujours le fol enthousiasme de ses fans. Le soutien que lui apporta son public, sa chaleur, l’aidèrent sans nul doute à surmonter ses épreuves personnelles. Après avoir gagné une fortune que l’on pourrait estimer aujourd’hui à l’équivalent de huit millions de dollars, une mauvaise administration ne lui avait laissé que d’énormes dettes. Son état de santé empirait. Des représentations annulées, des assignations pour rupture de contrat, un mariage avec Mark Herron dont l’échec fut immédiat, un combat impitoyable avec Luft pour obtenir la garde de ses enfants, d’autres problèmes encore alimentaient sans arrêt la chronique, laissant la jeune femme profondément meurtrie. Jusqu’à la fin, cependant, elle manifesta une extraordinaire volonté, arrivant même par moment à retrouver la forme éclatante de ses meilleures années.

Remariée à l’acteur Mickey Deane, Judy sembla retrouver la sérénité… Mais elle était terriblement amaigrie et les épreuves aussi bien que les années avaient profondément marqué son visage. Le matin du 22 juin 1969, son mari la trouva morte dans leur appartement de Londres, victime, probablement, d’une trop forte dose de somnifère.

A ses obsèques, James Mason qui avait tourné à ses côtés dans A Star Is Born, déclara avec émotion : « Aussi bien à son public qu’à ses amis, Judy est une femme qui a tant donné, et si généreusement, qu’il est impossible de la payer de retour. En effet, son besoin d’amour et d’affection était tel qu’il dépassait ce que chacun de nous aurait pu lui offrir. »

ESTHER WILLIAMS : La sirène d’Hollywood

Lorsque en 1941, Esther Williams signa un contrat avec la MGM, personne n’imaginait alors qu’en l’espace de dix ans elle deviendrait la plus grande étoile de cette compagnie et que pendant deux années consécutives elle serait une des stars du box-office. Elle-même affirmait volontiers qu’elle était avant tout une nageuse avant d’être une actrice.

LOUIS JOUVET, une personnalité, trente-deux personnages

Il peut sembler paradoxal d’entreprendre une publication sur Louis Jouvet au cinéma. Il fut avant tout homme de théâtre, et cet engagement total de son intelligence, de son savoir, de toute sa personne parait exclure de sa part toute approche, même furtive, de cet art cinématographique qui, de son temps, était déjà « une écriture ». Pourtant, il a tourné trente-deux films… Mais lorsqu’il apparut pour la première fois au cinéma, il avait 46 ans (Topaze, première version, en 1933), c’est-à-dire à une époque où sa gloire de comédien et d’animateur dramatique était acquise et éclatante.  C’est donc un homme d’une maturité artistique accomplie, d’une notoriété et mondialement reconnue qui va débuter au cinéma, et dans un rôle consacré déjà par le succès, mais qu’il n’a jamais joué. Pourquoi un tel retard ? On est évidemment tenté de répondre qu’avant 1933 le cinéma présentait peu d’attrait pour un comédien aussi profondément enraciné que lui dans le théâtre. Le cinéma muet avait ses stars, étrangères pour la plupart à l’art dramatique, et dans les deux ou trois premières années de son existence le film parlant fit une large place à la comédie musicale, à l’opérette, à ces « movies show » style Broadway melody ou Our dancing daughters (Les Nouvelles vierges) qui déclenchèrent en Europe les Congrès s’amuse et les Chemin du paradis… Que serait donc allé faire dans ces délectables « friandises cinématographiques » le créateur de Siegfried, le continuateur, à la Comédie des Champs-Elysées, du Vieux-Colombier de Copeau ? Pourtant ce n’est peut-être pas par manque d’intérêt pour lui que Louis Jouvet se tint éloigné du cinéma jusqu’à 46 ans : c’est tout simplement parce que jusque-là il n’eut pas le temps de s’y intéresser…

BLANCHETTE BRUNOY

Avec Claudine à l’école, réalisé en 1937 par Serge de Poligny, Blanchette Brunoy devient rapidement l’une des jeunes premières les plus remarquées de l’écran. Un charmant sourire et un jeu naturel comme le sien n’ont-ils pas symbolisé la saine jeunesse de l’époque ? Après La Bête humaine (1938, Jean Renoir) elle se montre remarquable dans des films comme L’empreinte du Dieu (1940, Léonide Moguy), Goupi Mains Rouges (1943, Jacques Becker) aux côtés de Fernand Ledoux et de Robert Le Vigan, ou Le Café du cadran (1947, Jean Gehret, Henri Decoin).

MARILYN MONROE : LA STAR ET SES GOUROUS

Terriblement inquiète quant à ses capacités de comédienne, Marilyn s’est entourée tout au long de sa carrière de professeurs brillants, en qui elle aura tendance à chercher aussi des figures parentales. Pour le meilleur et pour le pire…

FRED ASTAIRE 

La longue carrière de Fred Astaire est désormais entrée dans la légende ; son exceptionnel génie de danseur ne l’a toutefois pas empêché d’être aussi un excellent acteur.

HARRY BAUR : DE SHAKESPEARE À SIMENON

Entre 1930 et 1940, Harry Baur fut sans doute, avec Raimu, le plus grand acteur du cinéma français. Avant le parlant, on ne le vit guère au cinéma. Par contre, il fut très vite, après ses débuts chez Antoine, une grande vedette des scènes parisiennes, où nombreuses furent ses créations mémorables.

LANA TURNER

Sept maris, un père bootlegger assassiné en pleine rue, un amant gangster poignardé par sa propre fille Cheryl : la vie de Lana Turner n’a pas été de tout repos ! Mais ce magnifique symbole du sex-appeal hollywoodien a su révéler une troublante sensibilité sous l’écorce soigneusement entretenue du glamour.

JEAN GABIN 

S’il est un acteur dont le nom est à jamais associé au cinéma de l’entre-deux-guerres, aux chefs-d’œuvre du réalisme poétique, c’est bien Jean Gabin. Après la guerre, il connait tout d’abord une période creuse en termes de succès, puis, à partir de 1954, il devient un « pacha » incarnant la plupart du temps des rôles de truands ou de policiers, toujours avec la même droiture jusqu’à la fin des années 1970. 

MARILYN MONROE : LA STAR ET L’ÉCRIVAIN

Plus encore que son mariage avec Joe Di Maggio, l’histoire d’amour entre Marilyn et Arthur Miller passionna les foules du monde entier. L’union de la star du glamour hollywoodien et de l’austère dramaturge new-yorkais avait tout d’un conte de fées moderne…

FRANK SINATRA

Frappé d’ostracisme par Hollywood et les sociétés de disques, abandonné même par ses agents, Sinatra, dans le début des années 50, faillit bien être mis aux oubliettes du monde du spectacle. Il ne fallut qu’un film, et un Oscar, pour le conduire au sommet de la gloire.  

AVA GARDNER de la réalité au mythe

Ava… Ce beau prénom, qu’un romancier cinéphile, Pierre-Jean Rémy, a donné comme titre à un livre où il reconnaissait, par mille ruses, l’avoir emprunté à la vedette de Pandora, ce prénom qui n’appartient qu’à elle semblait fait, depuis toujours, pour être celui d’une star, tout comme ceux de Greta, MarIene, Ingrid, Rita, Marilyn ou Audrey. Et de la star, Ava Gardner a, en effet, tous les attributs : beauté sans pareille, amours tapageuses et malheureuses et surtout l’aura magique, moitié physique, moitié morale qui constitue ce qu’on appelle, depuis Delluc, la photogénie, et dont s’alimentent les rêves bizarres des cinéphiles.

ELLES CRÈVENT L’ÉCRAN 

Après les vamps des années 30 et les beautés fatales des années 40, la décennie suivante voit le triomphe des actrices dotées de généreuses mensurations ; mais leur vogue sera, pour nombre d’entre elles, éphémère.

MIREILLE BALIN, ou vous avez aimé cette femme… (par Pierre Philippe)

Comment parler de ce visage, de ce corps ? les mots ne viennent pas, et s’ils viennent, on les refuse, d’instinct. Et si l’on va plus loin, si l’on pense qu’après tout, toute leçon est bonne à prendre, toute horreur porte sa part d’édification, on résiste à l’angoisse, on analyse. Qu’est-il arrivé à notre vamp frémissante, après que nous l’ayons laissée, ou détour de quelque film, assurément seule, parée de satin clair et de fourrure blanche ? Elle dit, la maladie, et il faut la croire. Mais la maladie ne détruit pas seule, de cette façon, un être humain « beau, riche, célèbre, heureux »…
Article rédigé par Pierre Philippe lors sa rencontre avec Mireille Balin en 1961, publié dans la revue Cinéma 61.