LE SYSTÈME DES STUDIOS

Le système des studios, phénomène typiquement hollywoodien, domina pendant plus de vingt ans la production cinématographique américaine. Il est difficile d’apprécier, aujourd’hui encore, dans quelle mesure cette structure rigide répondait à une réelle et impérieuse nécessité.

femme_cherche_son_destin_100
ON SET – NOW, VOYAGER (Une femme cherche son destin) réalisé par Irving Rapper (1942) avec Bette Davis et Paul Henreid. Warner Bros. Pictures

Des années 30 aux années 50, la production cinématographique américaine fut complètement dominée par un groupe restreint de compagnies hollywoodiennes : la Paramount, la MGM, la Warner Brothers, la 20th Century-Fox et la RKO Radio. Ces cinq grandes compagnies, qualifiées de « majors », non seulement produisaient et distribuaient des films sur le marché international, mais possédaient aussi d’importantes chaines de salles de cinéma, contrôlant ainsi pratiquement toutes les opérations liées à l’industrie cinématographique, du tournage d’un film à sa projection en public.

Venaient ensuite deux autres compagnies moins importantes, l’Universal et la Columbia, et une société de distribution, l’United Artists, qui ne possédaient pas, ou très peu, de salles de cinéma. Sans le contrôle de ce dernier maillon de la chaîne, elles n’avaient pas la possibilité de faire projeter leurs films aux périodes les plus favorables et devaient donc se contenter des places inoccupées par les « majors » ou bien s’adresser à des exploitants indépendants.

united_artists_corporation_01
United Artists Corporation est né le 17 avril 1919. De gauche à droite au premier plan, les fondateurs : D.W. Griffith, Mary Pickford, Charlie Chaplin et Douglas Fairbanks Sr., dans l’arrière-plan, leurs avocats : Albert Banzhaf et Dennis O’Brien

L’United Artists était un cas assez particulier car elle n’opérait pas dans le secteur de la production, mais seulement dans celui de la distribution. Elle avait été créée en 1919 par Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin et D. W. Griffith pour leur permettre de contrôler la commercialisation de leurs films.

poverty_row
Poverty Row, le Hollywood du pauvre ! C’est le quartier des studios de second plan qui n’en sont pas moins représentatifs de la production cinématographique américaine.

Enfin, loin derrière ces compagnies, venait un groupe de sociétés cinématographiques, qualifié de Poverty Row, spécialisé dans la production de films de série B. Seules la Republic et la Monogram (qui formèrent ensuite l’Allied Artists) résistèrent un certain temps sur le marché et laissèrent quelques traces dans l’histoire du cinéma.

republic_production_02
Les studios de la REPUBLIC PICTURES

Pour le financement des films, toutes les sociétés s’adressaient à New York. Wall Street avait renforcé son contrôle sur les grandes maisons cinématographiques pendant la période critique de la révolution du parlant qui avait amené plusieurs compagnies au bord de la faillite tant les dépenses engagées pour la modernisation et l’acquisition de nouveaux matériels étaient lourdes. De plus, la crise économique avait provoqué une baisse de 50 % environ des entrées et seul l’appui important des sociétés financières de la côte est avait permis à de nombreux studios d’éviter la débâcle. [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

king_kong_1933_01
KING KONG (1933) produit par la RKO Radio Pictures. En 1991, King Kong est sélectionné pour le National Film Registry, par le National Film Preservation Board, dans le but d’une conservation à la Bibliothèque du Congrès des États-Unis en raison de son « importance culturelle, historique ou esthétique ». King Kong connut deux reprises, une en 1976 et une autre en 2005.
Hollywood crée le « studio system »

Mais ce fut sur la côte ouest, et plus précisément à Hollywood, où les légendaires magnats avaient implanté leurs « usines à rêves », que la production cinématographique allait s’organiser selon des critères économiques draconiens : le « studio system » allait permettre de réaliser des films avec méthode et efficacité. Dès lors, au sein des sociétés cinématographiques, tout le personnel (cinéastes, acteurs connus et moins connus, scénaristes, opérateurs, décorateurs, compositeurs et techniciens pour les effets spéciaux, monteurs) dut se soumettre aux exigences de production du studio, sans que les aspirations des uns et des autres soient prises en considération.

louis_b_mayer_irving_thalberg_01
Irving Thalberg et Louis B. Mayer

Dans un tel système, seules quelques personnes détenaient le pouvoir : les vieux magnats, bien sûr, mais aussi les jeunes producteurs aux foudroyantes carrières : Louis B. Mayer et Irving Thalberg à la MGM, Jack L. Warner à la Warner Brothers, Harry Cohn à la Columbia et Darryl F. Zanuck à la 20th Century-Fox.

david_o_selznick_01
David O. Selznick

Le jeune et dynamique David O. Selznick fut nommé chef de production de la RKO en octobre 1931 et il eut carte blanche pour mener à bien la fusion avec la Pathé. Mais les interventions continuelles de l’un des financiers le poussèrent à quitter la société. Il entra alors à la MGM, sous les ordres directs de son beau-père, Louis B. Mayer, mais il ne se sentait pas encore assez libre et, en 1935, il se retira pour fonder une nouvelle maison cinématographique indépendante. Toujours à la RKO, un autre chef de la production, Dore Schary, qui avait encouragé de jeunes talents, tels les cinéastes Robert Wise et Edward Dmytryk, fut écarté par le nouveau propriétaire du studio, l’excentrique millionnaire Howard Hughes.

howard-hughes_01
Howard Hughes

Au début des années 30, Universal était dominée par son fondateur, Carl Laemmle, qui y favorisa le népotisme. C’est ainsi qu’il confia la direction de la production à son fils, comme cadeau d’anniversaire pour ses vingt et un ans. Cette confiance aux jeunes talents s’était déjà manifestée d’ailleurs, dès 1920, quand il avait loué son studio à un jeune homme très prometteur, âgé de vingt ans à peine, Irving Thalberg. Ce dernier, cependant, abandonna bien vile les Laemmle pour entrer à la MGM. Carl Laemmle Jr. fit la preuve de ses capacités en réalisant un cycle mémorable de films d’épouvante avec Dracula (1930) et Frankenstein (1931), mais cela ne suffit pas pour faire face à la crise et le père et le fils durent s’en aller. C’est alors que l’on s’aperçut que Carl Laemmle « avait une famille très nombreuse » : plus de soixante-dix personnes, parents et collatéraux, émargeaient au registre des salaires du studio. Les années suivantes, l’Universal se trouva dans la dépendance presque exclusive des rares vedettes qu’elle avait eu la chance de découvrir : Deanna Durbin, Bud Abbott et Lou Costello. [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

frankenstein _1931_01,
Frankenstein de James Whale (1931).  Le film fait partie de la série des Universal Monsters et révèle l’acteur Boris Karloff, le réalisateur James Whale et le maquilleur Jack Pierce. Deux bobines d’essai avaient été tournées par Robert Florey avec Bela Lugosi dans le rôle-titre. Le film fut un succès public et critique. (Wikipédia)
Le grand Thalberg

Celui qui perfectionna et apporta le maximum d’efficacité au « studio system » fut sans conteste Irving Thalberg : il créa à la MGM un modèle de production qui fut ensuite repris par tous les autres studios. Pendant que Louis B. Mayer s’occupait des acteurs les plus capricieux, cherchait de nouveaux talents, accueillait les hôtes illustres et tenait de longs discours, Thalberg, évitant toute forme de publicité, au point de faire disparaître son nom du générique des films qu’il produisait, décidait des films à réaliser et s’en occupait jusqu’à ce qu’ils soient achevés. Il avait l’habitude de soumettre chaque projet à un superviseur (Albert Lewin, Bernard Hyman, Hunt Stromberg ou Lawrence Weingarten) qui élaborait le sujet avec les scénaristes et suivait le film pendant le tournage. Il donnait lui-même un coup d’œil au scénario, mais II refusait d’assister à la projection quotidienne des « rushes », persuadé que « les films ne se font pas mais se recommencent » : Thalberg attribuait une telle importance aux avant-premières qu’il faisait reprendre le montage et parfois même le tournage de scènes entières quand il n’était pas satisfait des réactions du public.

irving_thalberg_01
Irving Thalberg et l’actrice Norma Shearer qu’il épousa en 1927. Il souhaitait faire d’elle une femme au foyer, mais Norma refusa d’abandonner sa carrière d’actrice. Dès lors, son époux lui confiant de meilleurs rôles, elle deviendra la plus grande star de la MGM au cours des années trente.

Après la mort prématurée de Thalberg en 1936, Mayer régna en maître incontesté sur la MGM jusqu’en 1948. Pour ne pas laisser le contrôle de la production à une seule personne, il créa une commission chargée de s’occuper collectivement du studio. La MGM était solide et, de toutes les compagnies, elle était sans aucun doute la plus riche en talents : elle avait en permanence à sa disposition un « staff » de 20 cinéastes, 75 scénaristes et adaptateurs et 250 acteurs, et ses bénéfices annuels oscillaient entre 4 millions et 10 millions de dollars, selon les années. Sous le régime paternaliste de Mayer, on disait en plaisantant que le sigle MGM voulait dire « Mayer’s Ganz-Mispochen », ce qui en yiddish signifie « Famille Mayer au complet ». Celui qui ne voulait pas filer doux était repris de manière courtoise mais avec beaucoup de fermeté, comme il advint à cet acteur qui fut un jour, surpris à table dans la salle à manger du studio en compagnie d’un simple employé : les vedettes, selon les ordres de Mayer, devaient en toute occasion garder leurs distances. [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

anna_christie_01
Greta Garbo dans ANNA CHRISTIE, un film réalisé par Clarence Brown et sorti en 1930. « Garbo parle ! » annoncèrent les affiches publicitaires du film. Anna Christie est le premier film parlant de Greta Garbo. Sa première réplique (intervenant après 16 minutes de film) « Donne-moi un whisky et, en plus, un ginger-ale. Et mets-en beaucoup, mon petit» devint célèbre.
La tyrannie des frères Warner

Darryl F. Zanuck, qui était sorti du rang comme scénariste, fut nommé chef de production de la Warner. C’est à lui que l’on doit le lancement des séries de films de gangsters et des comédies musicales qui firent le succès de la Warner après le renom qu’elle s’était acquis grâce à l’utilisation du système sonore Vitaphone. Zanuck et Jack Warner s’entendaient très bien mais les mesquineries de Harry Warner poussèrent Zanuck à démissionner. Son poste fut alors confié à Hal B. Wallis qui, ayant su s’entourer de superviseurs, de réalisateurs et de scénaristes de talent, contribua à remplir les caisses du studio.

jack_warner_01
Jack L. Warner (02/08/1892 – 09/09/1978)

Tous ceux qui signaient un contrat avec la Warner devaient aussitôt déployer une activité frénétique : au début des années 30, par exemple, un cinéaste comme Michael Curtiz parvenait à diriger cinq ou six films par an et, en 1932, un acteur de renom comme George Brent tourna au moins sept films. Confinés dans leurs bureaux, les scénaristes de la Warner s’ingéniaient plus à trouver un système pour échapper au contrôle sévère de Jack Warner qu’à rédiger leurs sujets. Et quand Jack, pour les pousser à travailler, leur interdit l’usage du téléphone, tout le service se mit alors à défiler devant lui pour utiliser l’unique téléphone payant du studio.

warner_bros_02
Warner Brothers Studios First National, High Angle View, Burbank, Los Angeles, Californie

Le rythme de travaux forcés imposé par Jack Warner provoqua certains désaccords qui restèrent célèbres. Des vedettes de premier plan comme Bette Davis et James Cagney en vinrent à contester les rôles qu’on leur demandait d’interpréter : espérant tourner de meilleurs films en Grande-Bretagne, Bette Davis intenta une action pour faire annuler son contrat, mais elle perdit la cause. Cagney réussir à réaliser deux films pour son propre compte mais ensuite, comme Bette Davis, il revint à la Warner quand il se vil proposer de meilleurs rôles.

letter_the_01
Bette Davis dans THE LETTER réalisé par William Wyler en 1940, film produit par Jack Warner et Robert Lord et Hal B. Wallis (Warner Bros.) Le film reçut sept nominations à l’Oscar : meilleur film et meilleur réalisateur, meilleure actrice (Bette Davis), meilleur acteur dans un second rôle (James Stephenson), meilleure musique, meilleure photographie, meilleur montage.

Une autre pratique du studio soulevait l’indignation des acteurs : la date d’expiration d’un contrat était repoussée d’une période égale au temps perdu par suite du refus d’accepter un rôle. Olivia de Havilland, par exemple, suspendue six fois au cours d’un contrat de sept ans pour avoir refusé de prendre part à des films qui ne lui plaisaient pas, cita la Warner en justice et elle gagna le procès, épisode qui lui coûta une absence sur les écrans de plus d’un an.

quatre_au_paradis_100
ON SET – FOUR’S A CROWD (Quatre au paradis)réalisé par Michael Curtiz en 1938 avec Errol Flynn, Olivia de Havilland et Rosalind Russell

Entre-temps, après s’être dégagé de la Warner, Darryl F. Zanuck réussit, grâce à son renom, à convaincre le financier Joe Schenck de lui fournir les capitaux nécessaires pour créer une nouvelle maison cinématographique, la 20th Century Productions. Au début, la compagnie se contenta de produire des films qu’elle distribuait grâce à l’United Artists, puis, en 1935, après sa fusion avec la chancelante Fox Film Corporation, la nouvelle 20th Century-Fox commença à tourner des films dans ses propres studios el à s’occuper de leur distribution. [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

gold_diggers_05
Joan Blondell dans GOLD DIGGERS OF 1933 (Chercheuses d’or de 1933), film musical américain réalisé en 1933 par Mervyn LeRoy et produit par Jack Warner et Robert Lord (Warner Bros. Pictures)
Libertés et contraintes

La Paramount laissa plus de liberté à la créativité et aux capacités individuelles et elle en vint même à confier la location du studio à l’un des hommes les plus en vue de l’époque, le cinéaste et producteur Ernst Lubitsch. Mais ce ne fut guère une bonne opération et Lubitsch retourna bien vite à la mise en scène. A la fin des années 30, quelques metteurs en scène, tels William Wellman et Mark Sandrich purent produire leurs films et certains scénaristes eurent même la possibilité d’aborder la réalisation : Billy Wilder dirigea ainsi The Major and the Minor (Gouverneur malgré lui, 1940) et Preston Sturges The Great McGinthy (Uniformes et jupons courts, 1942).

ange_100
Marlene Dietrich et le réalisateur / producteur Ernst Lubitsch (au centre) durant le tournage de ANGEL (1937) – Paramount Pictures

Le bon fonctionnement du « studio system » à la RKO dépendait en grande partie de celui qui s’occupait de la location. Quand George Schaefer fut nommé à la direction de la production, il accapara aussitôt Orson Welles et les acteurs de sa compagnie, le Mercury Theatre et leur concéda une liberté sans précédent : le résultat fut Citizen Kane (1941). Mais la politique de Schaefer, si elle donnait d’excellents résultats sur le plan qualitatif, ne se montra pas aussi fructueuse sur le plan commercial ; un nouveau responsable de la production lui succéda, Charles Koerner, qui mit aussitôt fin à la collaboration d’Orson Welles. De fait, Welles n’était guère homme à s’accommoder des systèmes en vigueur ; les ennuis continuels que lui infligea Jack Fier, directeur de production de la Columbia, le firent particulièrement souffrir lors du tournage de The Lady from Shanghai (La Dame de Shanghai, 1948).

citizen_kane_6
Sur le tournage de CITIZEN KANE (1941), Orson Welles

Les studios de la Columbia étaient dirigés par Harry Cohn, connu, entre autres, pour sa vulgarité. Durant les années 30 son meilleur « poulain » fut le cinéaste Frank Capra qui, grâce à une série de films, dont le célèbre Lost Horizon (Horizons perdus, 1937), lui procura argent et prestige. Le succès de ce film permit aussi d’attirer à la Columbia des cinéastes de valeur, tels John Ford, Howard Hawks et George Stevens.

new_york_miami_01
IT HAPPENED ONE NIGHT (New York-Miami) de Frank Capra (1934) avec Clark Gable et Claudette Colbert. Production : Frank Capra et Harry Cohn (Columbia Pictures)

Au cours de ces mêmes années, la Columbia souffrait d’un manque crucial de vedettes de premier ordre. Cohn fut alors obligé « d’remprunter » Clark Gable à la MGM et Claudette Colbert à la Paramount pour le film de Capra lt Happened One Night (New York-Miami, 1934) et Edward G. Robinson à la Warner pour The Whole Town’s Talking (Toute la ville en parle, 1935) de Ford. Dans les années 40 et 50, la Columbia eut la main heureuse en lançant Rita Hayworth et Jack Lemmon.

rita_hayworth_112
Rita Hayworth, (Columbia, 1947) (Photo : Ned Scott)

Malgré les critiques justifiées qu’on pouvait lui faire, Harry Cohn possédait une qualité : il avait vraiment le cinéma dans le sang, mais la stupidité de son frère Jack, refusant de tourner The Life of Chopin en couleurs, entraîna le départ de Capra.

escadron_noir_100
DARK COMMAND (L’Escadron noir) réalisé par Raoul Walsh en 1940 avce John Wayne, Claire Trevor et Walter Pidgeon (Republic Pictures)

Parmi les petites compagnies de cinéma, deux seulement réussirent à sortir de la médiocrité : la Monogram, qui se fit connaître par les séries policières de Charlie Chan (tirées d’un sujet original acheté à la 20th Century-Fox) et les « Dead End Kids » (séries consacrées à l’enfance dans les villes, achetées à la Warner), et la Republic qui connut une période faste en passant un contrat avec John Wayne. Après avoir tourné StageCoach (La Chevauchée fantastique, 1939), qui fit de lui une vedette, la Republic lui confia le rôle principal dans The Dark Command (L’Escadron noir, 1940), film pour lequel elle fit appel à un réalisateur de la Warner : Raoul Walsh et à un célèbre acteur de la MGM, Walter Pidgeon, deux, véritables atouts de qualité.

vera_ralston_02
Repérée par Herbert J. Yates (1880-1966), patron de Republic Pictures, Vera Ralston apparaît comme patineuse dans deux films musicaux sortis en 1941 et 1942 et se retrouve sous contrat en 1943 au sein de cette compagnie. Elle l’épouse en 1952 et contribue en tout à vingt-six films américains, tous produits par Republic Pictures. En 1958 (année où sortent les deux derniers films de l’actrice), Herbert J. Yates se retire de Republic Pictures, suivi par sa femme (veuve à la mort du magnat, avant un remariage) qui abandonne ainsi définitivement l’écran.

Le puissant patron de la Republic, Herbert J. Yates, avait d’autres vedettes de western sous contrat, entre autres Gene Autry et Roy Rogers, mais ce furent surtout les films de Wayne qui firent recette. Cependant, en 1951, Yates refusa le projet auquel Wayne tenait beaucoup, celui de porter à l’écran l’épisode de la bataille d’Alamo. (Wayne réalisera Alamo en 1960.) Yates fut dès lors privé de la collaboration du grand acteur. Il aggrava la situation de la Republic en voulant imposer Vera Ralston (qui devint sa femme par la suite) alors que la cote au box-office de cette actrice n’était pas des meilleures. Le réalisateur Joseph Kane, un vétéran du studio, déclara : « La Republic était une société qui appartenait aux actionnaires mais Yates faisait ce qu’il voulait et l’avis des actionnaires valait autant que celui d’un indigène de Tombouctou. » [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

johnny_guitar_41
Joan Crawford et Sterling Hayden dans JOHNNY GUITAR réalisé par Nicholas Ray en 1954. Republic Pictures
La fin d’un empire

A la fin des années 40, sur interventions gouvernementales, les « majors compagnies » furent obligées de renoncer à leur situation de monopole et durent se diviser en groupes de moindre importance. Parallèlement, de nombreux acteurs et cinéastes épris d’indépendance cherchaient à réaliser leurs projets. Devant une telle situation et face au défi lancé par la télévision, il était inévitable que le monolithique « studio system » commençât à vaciller et à s’effriter. On produisit moins de films et on abandonna l’habitude de tenir sous contrat un grand nombre d’acteurs et de techniciens qui étaient payés à la semaine : il était désormais préférable de les engager selon les besoins du moment.

mademoiselle_porte_bonheur_100
Robert Cummngs, Doris Day et Phil Silvers dans LUCKY ME de Jack Donohue. Réalisé et sorti en 1954, il s’agit du premier film musical réalisé en CinemaScope et tourné en WarnerColor.

Seule Universal conserva ses habitudes en livrant, par fournées, des films de « genre » afin de lancer toute une nouvelle génération de vedettes : Rock Hudson, Tony Curtis, Jeff Chandler et Doris Day, qui avaient quitté la Warner.

1950, WINCHESTER '73
Charles Drake, Shelley Winters et Rock Hudson dans Winchester ’73, c’est le premier des cinq films du cycle de westerns d’Anthony Mann avec James Stewart. Production : Universal Pictures

L’United Artists changea de main en 1951 quand les deux membres fondateurs encore en vie, Charlie Chaplin et Mary Pickford, vendirent leur part d’actions. Dans ce climat incertain, la compagnie se rallia de nombreux producteurs indépendants qui présentèrent leurs projets et se mirent en quête de capitaux et de garanties pour la distribution. Otto Preminger, qui produisit et dirigea The Man With the Golden Arm (L’Homme au bras d’or, 1956), décrit ainsi l’United Artists de l’après-guerre : « Seule l’United Artists avait un système de production réellement indépendant… Elle acceptait la personnalité de chacun ; elle approuvait le projet du film et le choix des acteurs et laissait ensuite champ libre au producteur. »

homme_au_bras_or_103
THE MAN WITH THE GOLDEN ARM – Otto Preminger (1955)

Après la Seconde Guerre mondiale, quand les « majors » furent obligées de céder leurs chaines de salles de cinéma, la baisse importante de profits qui s’ensuivit pesa lourdement sur l’ensemble des studios hollywoodiens. C’est alors que la Columbia, l’Universal et l’United Artists adoptèrent la politique suivie par les autres studios, décidées à livrer une bataille commune contre la télévision. [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

Qualités et défauts du « studio system »

Quoi qu’on ait pu dire du système des studios (souvent qualifiés de véritables « chaînes de montage »), il fut loin d’être négatif. Il contribua, entre autres, à forger l’image de marque des compagnies. C’est ainsi que la Warner se spécialisa dans les films réalistes de grande actualité, que la MGM tourna de préférence des comédies et des « musicals », que la Paramount se distingua par ses comédies sophistiquées (notamment durant les années 30) et qu’Universal, après les films d’épouvante des années 30, produisit les grands films d’aventures en Technicolor de la décennie suivante. Ce qui ne les empêchait pas pour autant d’aborder d’autres genres.

magicien_d_oz_100
Dorothy et ses amis (Judy Garland, Bert Lahr, Jack Haley et Ray Bolger) dans THE WIZARD OF OZ réalisé par Victor Fleming (1939). Production : Metro-Goldwyn-Mayer

Le style même de la photographie était aussi révélateur du studio dont elle sortait, souvent lié aux procédés de développement et de tirage spécifiques à la compagnie. Les monteurs, qui ont une grande expérience, sont ainsi capables de reconnaître, sur simple examen d’une pellicule, le studio qui a produit le film : le « grain » du noir et blanc et les nuances de la couleur sont sa signature.

cleopatre_1934_01
Claudette Colbert dans CLEOPATRA de Cecil B. DeMille en 1934. Production : Paramount Pictures

De même, la présence d’un acteur au générique d’un film permettait de savoir, presque à coup sûr, le nom de la compagnie qui avait produit ce film : Tyrone Power, par exemple, était identifié à la 20th Century-Fox, Alan Ladd à la Paramount, Clark Gable à la MGM, et cela était valable pour les acteurs de second rôle, et l’ensemble des techniciens.

Que le « studio system » permit d’atteindre un niveau remarquable de qualité technique est une chose certaine. La plus grande partie des films de production indépendante, comparée à ceux produits par les « majors », était plutôt terne en raison du manque d’acteurs célèbres et de ces décors grandioses que seuls les grands studios pouvaient se permettre de monter. Goldwyn et Selznick parvinrent toutefois à rivaliser avec les « majors ».

bette_davis_02
BETTE DAVIS : Fondatrice du Hollywood Canteen, actrice de cinéma parmi les plus appréciées de l’âge d’or d’Hollywood, Bette Davis est connue comme un symbole de ténacité féminine, à cause de rôles de femmes impitoyables, caractérielles et hystériques, mais aussi de sa turbulente vie privée, ponctuée d’orageux mariages et de conflits médiatiques avec certaines figures du cinéma.

Le « studio system », d’après Bette Davis, offrait « la sécurité d’une prison » ; toutefois, il permit de réaliser de très bons films et chaque studio put même se permettre quelques expériences occasionnelles qu’il était impensable d’envisager clans d’autres conditions. C’est ainsi que des compagnies comme la Paramount, la Columbia et la Republic favorisèrent les projets très à contre-courant du scénariste et cinéaste Ben Hecht et ceux, grandioses, d’Orson Welles.

soif_du_mal_10
Orson Welles dans TOUCH OF EVIL (La Soif du mal, 1958). Mécontent des modifications apportées à son montage, il envoya au studio une note de 58 pages comprenant les changements qu’il envisageait d’apporter au film qui devait finalement sortir. C’est sur la base de cette note qu’en 1998, une nouvelle version a été remontée afin de rétablir la vision du réalisateur. À cette occasion le film fut entièrement redoublé. Production : Universal Pictures

Le déclin de ce système entraîna une sorte de libération, notamment sur le plan des choix des sujets. Et pourtant, en 1960, un des plus influents cinéastes de Hollywood, John Huston, un homme au tempérament très indépendant, parlait encore avec une certaine nostalgie du Hollywood d’antan : « Je me demande si je n’ai pas vécu alors ma période la plus heureuse. Ce que je sais c’est que j’ai réalisée certains de mes plus mauvais films quand j’ai pu disposer d’une entière liberté ! » [La grande histoire illustrée du 7ème art – Editions Atlas (1983)]

asphalt_jungle_202
Photo de tournage : John et Huston et Marilyn Monroe dans The Asphalt Jungle (1950) – Metro-Goldwyn-Mayer
A lire également

POVERTY ROW
Poverty Row, le Hollywood du pauvre ! C’est le quartier des studios de second plan qui n’en sont pas moins représentatifs de la production cinématographique américaine. Lire la suite…

Répondre

Entrez vos coordonnées ci-dessous ou cliquez sur une icône pour vous connecter:

Logo WordPress.com

Vous commentez à l'aide de votre compte WordPress.com. Déconnexion /  Changer )

Photo Google

Vous commentez à l'aide de votre compte Google. Déconnexion /  Changer )

Image Twitter

Vous commentez à l'aide de votre compte Twitter. Déconnexion /  Changer )

Photo Facebook

Vous commentez à l'aide de votre compte Facebook. Déconnexion /  Changer )

Connexion à %s

Ce site utilise Akismet pour réduire les indésirables. En savoir plus sur la façon dont les données de vos commentaires sont traitées.